L'evoluzione poetica di Ugo Foscolo tra canzoniere e sonetti

Il Piano di studi del 1796 rappresenta il primo documento programmatico della formazione intellettuale foscoliana e costituisce la prima testimonianza del progetto di creazione di un canzoniere moderno. Redatto quando Foscolo aveva appena diciotto anni, questo documento rivela una straordinaria maturità critica e una lucida consapevolezza delle direzioni culturali del tempo. La struttura del Piano si articola in due sezioni distinte ma complementari: la prima dedicata alla definizione di un canone di letture formative, la seconda alla presentazione di progetti letterari personali in varie fasi di elaborazione.

La prima sezione del Piano testimonia l'ampiezza degli interessi culturali del giovane Foscolo, che accanto ai grandi autori classici e ai modelli della tradizione italiana include le poetiche del Settecento e gli autori stranieri più rappresentativi della cultura europea contemporanea. La presenza di Voltaire, Ossian, Goethe, Mengs e Winckelmann rivela l'apertura verso le correnti filosofiche e artistiche più innovative del tempo, dall'Illuminismo al preromanticismo, dall'estetica neoclassica alle prime manifestazioni della sensibilità preromantica.

La seconda sezione, suddivisa in categorie specifiche ('Prose originali', 'Prose tradotte', 'Prose varie', 'Versi', 'Originali', 'Poemi', 'Appendice – Versi Stampati'), presenta una serie di progetti letterari che testimoniano la vastità delle ambizioni creative del giovane autore. Particolarmente significativa è la sezione '[Versi] Originali', dove Foscolo annuncia il progetto di 'Dodici odi del conto dell'autore raccolte in un solo libretto col motto: Vitam impendere vero', anticipando di sei anni la realizzazione del canzoniere delle Poesie.

Il motto 'Vitam impendere vero' (dedicare la vita alla verità), tratto da Giovenale, rivela fin dall'inizio l'intenzione di conferire alla raccolta poetica un carattere di testimonianza autobiografica autentica e di impegno etico. Questa concezione della poesia come strumento di verità e di autoanalisi costituirà il nucleo ideologico dell'intera produzione lirica foscoliana e distinguerà il suo canzoniere dai modelli settecenteschi caratterizzati da una maggiore convenzionalità tematica e stilistica.

Il progetto giovanile di un canzoniere organico dimostra come Foscolo avesse già chiara la concezione della raccolta poetica come struttura unitaria in grado di tracciare un percorso esistenziale e intellettuale coerente. L'idea di raggruppare i componimenti secondo un criterio non meramente cronologico ma organico rivela l'influenza del modello petrarchesco mediato attraverso la lezione di Alfieri, che aveva saputo rinnovare la tradizione lirica italiana inserendovi contenuti politici e civili.

L'evoluzione del progetto dal 1796 al 1802-1803 testimonia il processo di maturazione artistica e intellettuale dell'autore, che dalla generica indicazione di 'dodici odi' arriva alla struttura più complessa e articolata delle Poesie, dove sonetti e odi si alternano secondo un disegno compositivo che riflette l'evoluzione della sensibilità poetica dall'impegno civile alla riflessione esistenziale.

La prima pubblicazione delle poesie foscoliane avviene nell'ottobre 1802 sul 'Nuovo Giornale dei Letterati di Pisa', presentando una selezione limitata ma significativa della produzione lirica dell'autore. Questa edizione comprende otto dei dodici sonetti dell'edizione definitiva e una sola ode, configurandosi come un primo saggio del progetto più ampio che si realizzerà l'anno successivo. La scelta dei componimenti rivela un criterio selettivo che privilegia i testi più rappresentativi della poetica foscoliana e più adatti a tracciare un primo autoritratto intellettuale ed emotivo dell'autore.

I sonetti della prima edizione si caratterizzano per la varietà tematica e per l'intreccio costante tra dimensione privata e pubblica, tra vicende personali e riflessione politica. 'Non son chi fui, perì di noi gran parte' affronta il tema della crisi identitaria conseguente alle delusioni politiche e amorose, presentando la tentazione del suicidio come via di fuga da una realtà divenuta insopportabile. Tuttavia, questa soluzione estrema viene respinta in nome degli affetti familiari e dell'aspirazione alla gloria letteraria, delineando già quella dialettica tra disperazione e volontà di riscatto che caratterizzerà l'intera raccolta.

Il sonetto 'Che stai? già il secol l'orma ultima lascia' sviluppa il tema dell'impossibilità di incidere politicamente nella società contemporanea e del conseguente ripiegamento negli studi. Questo componimento rivela la lucida consapevolezza foscoliana della condizione dell'intellettuale moderno, sospeso tra l'aspirazione all'impegno civile e la necessità di rifugiarsi nella dimensione privata della cultura quando la realtà storica non offre spazi per un'azione efficace.

La tematica linguistica emerge nel sonetto 'Te nudrice alle Muse, ospite e dea', dove Foscolo affronta il problema della conservazione della tradizione culturale italiana di fronte al dilagare del 'sermon straniero'. Questo testo testimonia la preoccupazione per l'identità nazionale e culturale che caratterizzerà tutto il Risorgimento italiano, anticipando temi che diventeranno centrali nella riflessione degli intellettuali dell'Ottocento.

I sonetti amorosi della prima edizione ('Perché taccia il rumor di mia catena', 'Così gli interi giorni in lungo incerto', 'Meritamente, però ch'io potei') rivelano l'influenza della tradizione petrarchesca reinterpretata secondo una sensibilità moderna. L'amore viene presentato come esperienza totalizzante che coinvolge l'intera esistenza del poeta, ma anche come fonte di sofferenza che si intreccia con le altre delusioni della vita. L'originalità foscoliana consiste nel saper fondere il tema amoroso con quello politico e esistenziale, creando una sintesi inedita nella tradizione lirica italiana.

L'autoritratto 'Solcata ho fronte, occhi incavati intenti' conclude la serie dei sonetti con una descrizione fisica e morale che fissa l'immagine del poeta in una dimensione eroica e tragica insieme. Questo componimento rivela l'influenza dell'estetica neoclassica nella ricerca di una bellezza ideale che trascenda la contingenza biografica, ma anche la consapevolezza romantica del valore espressivo della sofferenza e della passione.

L'ode 'A Luigia Pallavicini caduta da cavallo' chiude la prima edizione con una funzione decorativa e celebrativa che rivela ancora l'influenza della tradizione settecentesca. Composta nel 1798, quest'ode rappresenta la fase più legata ai modi e ai temi dell'ode neoclassica, caratterizzandosi per l'eleganza formale e per la mitologizzazione dell'evento occasionale che la ispira.

L'edizione di Milano dell'aprile 1803, pubblicata presso Destefanis, rappresenta un momento cruciale nell'evoluzione del canzoniere foscoliano, introducendo modifiche sostanziali che ne trasformano l'architettura complessiva e l'impatto emotivo. L'aggiunta di tre nuovi sonetti e di un'ode inedita non costituisce semplicemente un ampliamento quantitativo ma una rivisitazione qualitativa che modifica profondamente l'equilibrio e il significato dell'intera raccolta. La nuova struttura rivela una concezione più matura dell'arte poetica e una maggiore consapevolezza delle potenzialità espressive del genere lirico.

Il sonetto 'Forse perché della fatal quiete' (universalmente noto come 'Alla sera') inaugura la nuova serie con una meditazione sulla morte che segna una svolta nella sensibilità foscoliana. L'apostrofe alla sera come 'immagine della fatal quiete' rivela l'influenza del pensiero materialista settecentesco reinterpretato secondo una sensibilità preromantica che trova nella contemplazione della natura un momento di pacificazione interiore. La struttura circolare del sonetto, che si apre e si chiude sull'immagine delle tenebre, crea un effetto di compiutezza formale che rispecchia la serenità raggiunta attraverso l'accettazione della mortalità.

Il secondo sonetto aggiunto 'Né più mai toccherò le sacre sponde' affronta il tema della patria greca con una intensità emotiva che rivela l'influenza del filelleneismo settecentesco e la nascente coscienza dell'identità nazionale italiana. L'evocazione della Grecia classica non costituisce semplicemente un omaggio erudito ma l'espressione di una nostalgia esistenziale per un mondo di bellezza e armonia perduto per sempre. La sovrapposizione tra patria geografica e patria ideale crea una tensione poetica che preannuncia i grandi temi del Romanticismo europeo.

Il terzo sonetto 'Pur tu copia versavi alma di canto' presenta la poesia lirica come consolazione inadeguata ma necessaria del dolore esistenziale, delineando una poetica della sofferenza che avrà grande fortuna nella letteratura romantica. L'immagine del canto poetico che 'versa' consolazione come un fiume che scorre rivela l'influenza della metaforica classica reinterpretata secondo una sensibilità moderna che valorizza l'espressione del sentimento soggettivo.

L'ode 'All'amica risanata', dedicata ad Antonietta Fagnani Arese, rappresenta il momento di maggiore adesione ai canoni neoclassici dell'intera raccolta. La celebrazione della guarigione dell'amata dalla malattia offre l'occasione per una riflessione sulla bellezza femminile e sul suo valore civilizzatore che riecheggia i temi dell'estetica winckelmanniana. Il linguaggio prezioso e la ricchezza delle immagini mitologiche creano un effetto di magnificenza decorativa che contrasta con la tensione drammatica dei sonetti.

La nuova architettura della raccolta, che si apre con le due odi neoclassiche per poi svilupparsi attraverso la serie dei sonetti, crea un percorso di lettura che dalla celebrazione della bellezza e dell'armonia conduce alla meditazione sulla sofferenza e sull'esilio. Questa struttura rivela l'influenza del modello petrarchesco ma anche la capacità foscoliana di rinnovarlo secondo una concezione moderna dell'arte che valorizza il contrasto e la varietà espressiva. L'alternanza tra odi e sonetti, tra linguaggio aulico e tono più immediato, tra mitologia classica e autobiografia moderna, crea un effetto di ricchezza stilistica che distingue il canzoniere foscoliano dai modelli settecenteschi caratterizzati da una maggiore uniformità tonale.

La terza edizione delle Poesie, pubblicata presso Nobile nell'autunno del 1803, segna il completamento del progetto poetico foscoliano con l'aggiunta del dodicesimo sonetto 'Un dì s'io non andrò sempre fuggendo', posto in posizione strategica come terzultimo componimento della raccolta. Questo sonetto, dedicato alla memoria del fratello Giovanni perito in circostanze misteriose, introduce una dimensione di lutto familiare che arricchisce la gamma emotiva dell'intera opera e conferisce maggiore profondità umana alla figura del poeta.

Il sonetto in morte del fratello rappresenta uno dei momenti più intensi dell'intera raccolta per la capacità di fondere il dolore privato con la riflessione esistenziale sulla condizione dell'esule. L'evocazione del fratello morto in terra straniera diventa simbolo della condizione di chi non può ritornare alla patria e non può nemmeno trovare consolazione negli affetti familiari. La sovrapposizione tra esilio geografico e isolamento affettivo crea una tensione poetica che preannuncia i grandi temi della letteratura romantica.

La posizione strategica del sonetto nella struttura della raccolta rivela la sapienza compositiva foscoliana nella creazione di effetti di intensità crescente. Collocato dopo l'autoritratto e prima degli ultimi due sonetti di carattere più meditativo, questo componimento costituisce il momento di massima tensione emotiva dell'intera raccolta, preparando la conclusione di tono più distaccato e filosofico. Questa architettura rivela l'influenza della tecnica compositiva petrarchesca ma anche la capacità di rinnovarla secondo una concezione moderna dell'arte che valorizza il contrasto e la varietà espressiva.

Il raggiungimento del numero di dodici sonetti non costituisce una scelta casuale ma riflette una concezione simbolica del numero che risale alla tradizione classica e medievale. Il dodici, numero della completezza e della perfezione, conferisce alla raccolta una dimensione quasi sacrale che eleva la vicenda biografica dell'autore a paradigma di una condizione umana universale. Questa scelta rivela l'influenza della numerologia rinascimentale ma anche la consapevolezza foscoliana del valore simbolico delle strutture formali.

La struttura definitiva della raccolta, con due odi che aprono e chiudono la serie dei dodici sonetti, crea un effetto di cornice che isola e valorizza la dimensione più intima e autobiografica della poesia foscoliana. Le odi, con il loro linguaggio più aulico e la loro struttura più complessa, fungono da soglia tra il mondo pubblico della celebrazione e quello privato della confessione, creando un passaggio graduale che prepara il lettore all'intensità emotiva dei sonetti.

L'equilibrio tra diverse forme metriche testimonia la capacità foscoliana di padroneggiare i generi tradizionali della lirica italiana rinnovandone il significato secondo una sensibilità moderna. L'ode neoclassica e il sonetto petrarchesco vengono liberati dalle convenzioni settecentesche e riempiti di contenuti esistenziali e politici che ne trasformano radicalmente la funzione poetica. Questa sintesi tra tradizione e innovazione costituisce uno dei caratteri più originali della poetica foscoliana e ne spiega l'influenza sulla lirica italiana dell'Ottocento.

L'influenza di Petrarca sulla poetica foscoliana rappresenta uno degli aspetti più significativi e innovativi dell'intera raccolta, distinguendola nettamente dalla produzione lirica settecentesca caratterizzata da una presenza mediata e convenzionale del modello trecentesco. Foscolo attinge direttamente al Canzoniere petrarchesco, recuperandone non solo le forme metriche e le soluzioni stilistiche ma soprattutto la concezione della raccolta poetica come percorso di autoanalisi e di elevazione spirituale attraverso l'esperienza amorosa e la riflessione esistenziale.

Il recupero diretto di Petrarca costituisce un fatto del tutto eccezionale nel panorama letterario del Settecento, dove il modello trecentesco arrivava generalmente filtrato attraverso la mediazione dei lirici cinquecenteschi e delle convenzioni arcadiche. Questa scelta rivela la straordinaria sensibilità filologica di Foscolo e la sua capacità di distinguere tra l'autentica lezione petrarchesca e le sue deformazioni successive. L'influenza di Alfieri, che aveva anch'egli tentato un recupero diretto di Petrarca, si manifesta nella valorizzazione degli aspetti più drammatici e conflittuali della poesia trecentesca.

La rielaborazione del modello petrarchesco si manifesta principalmente nella capacità di fondere il tema amoroso con quello politico e civile, creando una sintesi inedita che arricchisce la tradizione lirica italiana di contenuti nuovi. Mentre in Petrarca l'amore per Laura costituisce il centro unificatore dell'intera esperienza poetica, in Foscolo l'amore si intreccia con la passione politica, l'esilio, il lutto familiare, la riflessione sulla morte, creando una costellazione tematica più complessa e moderna.

Il linguaggio poetico foscoliano rivela l'assimilazione profonda della lezione petrarchesca nell'uso sapiente dell'enjambement, delle figure di suono, delle simmetrie sintattiche che caratterizzano la versificazione del Canzoniere. Tuttavia, Foscolo arricchisce questa eredità tecnica con elementi desunti dalla tradizione classica e dalla poesia europea contemporanea, creando uno stile personale che mantiene la musicalità petrarchesca arricchendola di nuove possibilità espressive.

La struttura del canzoniere foscoliano riprende il modello petrarchesco nella concezione della raccolta come percorso organico che traccia un'evoluzione spirituale attraverso l'alternanza di momenti di crisi e di elevazione. Tuttavia, la dimensione religiosa che caratterizza il Canzoniere petrarchesco viene sostituita da una concezione laica dell'esistenza che trova nella poesia e nella gloria letteraria l'unica forma possibile di immortalità. Questa secolarizzazione del modello petrarchesco riflette l'influenza dell'Illuminismo e anticipa la sensibilità romantica.

L'originalità foscoliana consiste nella capacità di inserire l'eredità petrarchesca in un contesto culturale completamente diverso, trasformando il modello trecentesco in strumento di espressione di una sensibilità moderna. L'amore cortese diventa passione totalizzante, la meditazione religiosa si trasforma in riflessione filosofica sulla mortalità, il pellegrinaggio spirituale si converte in esilio politico e geografico. Questa trasformazione testimonia la vitalità della tradizione lirica italiana e la sua capacità di rinnovarsi senza perdere la propria identità.

La presenza del mito omerico nella poetica foscoliana rappresenta uno degli elementi più originali e significativi dell'intera raccolta, trasformando l'esperienza biografica dell'esilio in paradigma di una condizione esistenziale universale. Il personaggio di Ulisse, evocato esplicitamente nel sonetto 'Né più mai toccherò le sacre sponde' e implicitamente presente in tutta la raccolta, diventa la maschera poetica attraverso cui Foscolo interpreta e nobilitata la propria vicenda personale, elevandola dalla contingenza storica alla dimensione del mito.

L'identificazione Ulisse/Foscolo si basa sulla condizione comune dell'esilio, ma mentre l'eroe omerico può sperare nel ritorno a Itaca, il poeta moderno è condannato a un esilio senza fine. Questa variazione del mito classico rivela la consapevolezza foscoliana della diversa condizione dell'intellettuale moderno, privo delle certezze che caratterizzavano il mondo antico e costretto a una ricerca di senso che non può trovare approdo in nessuna patria terrena. L'impossibilità del nostos (ritorno) trasforma l'esilio da condizione temporanea in dimensione esistenziale permanente.

Il tema della patria greca assume in questo contesto una valenza simbolica che trascende la semplice nostalgia geografica. Zacinto, l'isola natale di Foscolo, diventa simbolo di una patria ideale che coincide con la culla della civiltà classica e della poesia. Venere e Omero, divinità della bellezza e padre della poesia, presidiano questa terra mitica che rappresenta l'origine della cultura occidentale. L'impossibilità di ritornare a Zacinto simboleggia l'impossibilità per l'uomo moderno di recuperare l'armonia e la bellezza del mondo antico.

La rielaborazione del mito rivela l'influenza della cultura neoclassica ma anche la capacità foscoliana di rinnovarne il significato secondo una sensibilità preromantica che valorizza la dimensione tragica dell'esistenza. Il mondo classico non viene idealizzato come modello di perfezione irraggiungibile ma assunto come termine di confronto per misurare la distanza tra antico e moderno, tra armonia perduta e conflitto presente. Questa concezione dialettica del rapporto con l'antichità distingue Foscolo dai neoclassici ortodossi e lo avvicina alla sensibilità romantica.

Il valore universale del mito ulissiaco nella poetica foscoliana si manifesta nella capacità di trasformare una vicenda biografica particolare in simbolo di una condizione umana generale. L'esilio politico diventa metafora dell'alienazione moderna, la nostalgia geografica si trasforma in ricerca di senso esistenziale, l'impossibilità del ritorno simboleggia la condizione dell'uomo moderno sospeso tra memoria del passato e incertezza del futuro. Questa universalizzazione dell'esperienza personale attraverso il mito costituisce uno dei caratteri più moderni della poetica foscoliana.

L'eredità del mito foscoliano nella letteratura italiana dell'Ottocento si manifesta nella fortuna del tema dell'esilio e nella valorizzazione della figura dell'intellettuale come testimone critico della realtà contemporanea. Da Leopardi a Carducci, da Pascoli a D'Annunzio, il modello foscoliano del poeta-Ulisse influenzerà profondamente l'evoluzione della lirica italiana, offrendo un paradigma interpretativo della condizione intellettuale moderna che mantiene ancora oggi la sua validità e la sua suggestione poetica.